Eduardo Galeano - El libro de los abrazos (CD-1990)

El disco 'El libro de los abrazos', del autor uruguayo Eduardo Galeano, consta de una serie de relatos extraídos del libro homónimo (1989), grabados por el escritor en el año de 1990 con el sello 'Ediciones Discográficas Ayuí/Tacuabé' -que ha apuntado desde los años setenta hacia la producción de discos de gran valor cultural que permanecen ignorados por el público y la sociedad en general, manteniéndose con tal admirable labor en épocas complejas como la dictadura militar-.

Fundamentalmente, la capacidad creativa de Galeano desemboca en textos de profunda sensibilidad que, lejanos a ser un ejercicio hiperbólico y exacerbado, logran manifestar la belleza y epicidad de lo simple y cotidiano. A través de este uso de la palabra, se entretejen diversas narraciones que florecen en elucubraciones personales, anecdóticas e históricas, construyendo así un ambiente en que no sólo destacan la versatilidad lírica, sino también conceptos como la otredad, presentada en distintos momentos de los relatos, que invita al análisis de la realidad propia y comunitaria, remaginada y trastocada por los abismos de la mente.

Sin más, que sea el querido Eduardo quien guíe su escucha, para que a través de su voz, se encamine en la voz de muchas sangres, vivencias y perspectivas.

Portada del disco

1. Presentación

2. El mundo

3. El origen del mundo

4. La función del arte

5. La función del lector

6. El arte para los niños

7. El arte desde los niños

8. Celebración de la fantasía

9. Celebración de la realidad

10. Crónica de la ciudad de la habana

11. Crónica de la ciudad de Nueva York

12. La última cerveza en Caldwell

13. Arguedas

14. Noticias

15. Amares

16. Teología (1)

17. Teología (2)

18. Teología (3)

19. Las flores

20. Las hormigas

21. La abuela

22. El abuelo

23. Crónica de la ciudad de Montevideo

24. Celebración de la amistad

25. Celebración del coraje

26. La fiesta

27. Las huellas digitales

28. El aire y el viento

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Página de Ediciones Discográficas Ayuí/Tacuabé: http://www.tacuabe.com

Los Corazas - Raza de bronce (1958)

'Raza de bronce' es el segundo disco de la agrupación ecuatoriana Los Corazas. Su grabación resultó tras la invitación del productor Luis Aníbal Granja, dueño del sello 'Discos Granja', a estos músicos tradicionales. Para entonces, muy pocos grupos dedicados a la música folclórica e indígena habían podido prensar sus trabajos, exceptuando al ya laureado Dúo Benítez-Valencia, de tal forma que el conjunto marcó un precedente indeleble para la música ecuatoriana.

De principio a fin, la producción consta de sentidas obras instrumentales, interpretadas con instrumentos tradicionales como las tundas y el rondador, e instrumentos que a través del mestizaje supieron adherirse a las orquestaciones otavaleñas, como el arpa, la guitarra y el requinto.  Además, antes que el mundo se sensibilizara ante la importancia de la recopilación, grabación y estudio de la música tradicional, Los Corazas hicieron este ejercicio, acompañados por Luis Aníbal Granja. 

Respecto a la figura del 'Coraza', su origen viene de las festividades otavaleñas de San Luis. Así, el Coraza representa a un guerrero vestido con ornamentaciones antiguas, muy probablemente barrocas, que se convierte en el anfitrión y protagonista durante los días de celebración. Generalmente, él pasa montado en un caballo con un paraguas en una de sus manos, bendiciendo los cultivos e invocando fertilidad. De esta forma, el grupo pretendió honrar esta práctica a través de su nombre.

Imagen del Coraza, tomada de: runakay.wordpress.com

El conjunto fue formado y dirigido por Marco Tulio Hidrobo, a quien en 1958 se unieron talentosos músicos, entre los cuales estaba 'El rondador solitario', psuedónimo del maestro del rondador Arturo Aguirre, quien posteriormente sería una de las figuras más representativas del instrumento. Esta formación se mantuvo hasta 1961, fecha en la que falleció Hidrobo y por tanto el grupo se disolvió.

Primera formación, de 1958 a 1961:

-Marco Tulio Hidrobo (1906-1961✝

): flautista, director

-Carlos Arturo Mena (1912-2002✝

): flautista 

-Arturo Aguirre Cruz (1913-2009✝): rondador

-Bolívar Eloy «El Pollo» Ortiz Freire (1919-1974✝): guitarrista

-Segundo José Guaña Acuña (1923-2017✝): guitarrista

-Ángel Rafael Porras Mena (1936): percusión

No obstante, Carlos Arturo Mena y Arturo Aguirre se reunieron bajo el nombre de 'Los Corazas' en 1964 para una gira en Europa junto al 'Ballet Folclórico Grancolombiano', recorriendo 13 países del viejo continente. Acto seguido, en 1966 Mena incluyó a sus hijos en la agrupación. Esta tabla muestra la cronología completa del grupo:

Lista de obras

Lado A:

1. El costillar (albazo)

Tradicional

2. Tunday Tunday (albazo)

Tradicional

3. ¿Por qué te alejas? (albazo)

Compuesto por Gonzalo Castro

4. Mía serás (sanjuanito)

Luis Aníbal Granja

5. Viejo lindo (albazo)

Derechos reservados a su autor

6. El lagunerito (sanjuanito)

Compuesto por José M. Chalampuente

Lado B:

7. El chumadito (sanjuanito)

Compuesto por Alejandro Plaza

8. Ni atormentes mi vida (albazo)

Compuesto por Pedro P. Echeverría

9. Ponchito verde (tonada)

Compuesta por Armando Hidrobo

10. Cariñito (albazo)

Compuesto por Gerardo Obando

11. El yumbo (danza aborigen)

Tradicional

12. Carnaval de Guaranda (Tonada)

Tradicional

Portada del disco

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*Páginas usadas como referencia:

 -runakay.wordpress.com

-https://loscorazas.com

Anastasio Quiroga - Disco de un pastor de cabras (1969) FLAC

'Disco de un pastor de cabras' es un disco del músico Anastasio Quiroga (1916-1988), grabado bajo el sello argentino Disc Jockey en 1969 y guiado por la musicóloga Leda Valladares. 

Aunque el trabajo de este autor ha pasado desapercibido e invisibilizado a través del tiempo, su autenticidad y naturaleza innata lo convierten en una de las piezas claves del la narración y música humahuaqueña, pues es, sin muchos rodeos, es el disco de un pastor de cabras y sus andanzas por la cordillera.

De esta forma, la creación de Anastasio entreteje narración, música y poesía a través de las visiones y sentires populares de la Quebrada de Humahuaca de una forma muy especial, que no nace de la imitación de las manifestaciones culturales -como sí hicieron otros folkloristas latinoamericanos de su época- sino que se trata de un aprendizaje heredado de sus ancestros y reimaginado en su mente prodigiosa. 

Así se referiría Leda respecto a Quiroga y la producción del disco:

«En medio de la terrible confusión que los fantasistas han levantado en torno a nuestro folklore campesino y tradicional, Anastasio Quiroga significa verdad, sabor y belleza folclórica.

Quiroga canta, baila y toca como lo hicieron sus abuelos y no pretende reformar ni "mejorar" sabias costumbres de sus pagos.

Artista y artesano toca todos los instrumentos de viento, cuerda y percusión de la Quebrada de Humahuaca y el altiplano, y además los fabrica con cariño de artífice. Es un archivo de canciones y leyendas, a la vez que excelente coplero y compositor.

Miembro de una cultura indígena que hoy languidece, en el norte es un ejemplo de autoabastecimiento por el múltiple manejo de sus manos: agricultor, constructor, artesano y ceramista. Puede vivir del talento natural de sus manos y de su lugar a sabiduría artística que le permite cantar y tocar representando a su pueblo y moldear la tierra con la gracia habitual de sus antepasados.

Ha sido pastor de cabras en las milenarias montañas de la Quebrada de Humahuaca, lazarillo de un ciego, arriero trotapueblos, pelador de cañas en el ingenio jujeño de la Mendieta, musiquero de ocasión y músico de la banda municipal.

Quiroga tiene cincuenta años. Nació en San Pedro de Jujuy y se crió en La Quiaca y Humahuaca.

Hoy lo tenemos en nuestro campo bonaerense, en plena Tortuguitas, donde ha levantado su casa de adobe al estilo humahuaqueño.

En este disco mi intervención ha consistido en ordenar sus reliquias y en provocarle oportunamente los sabrosos comentarios con que acompaña sus cantos en español y en quichua.

Quiroga puede enseñarnos la vieja sabiduría de sus antepasados y nos inspira el mismo respeto que todo un pueblo sumergido en sus leyendas y en sus prácticas rituales.» -Leda Valladares

(Ilustración extraída del librillo de Argento Vivo, 

álbum de Il Laboratorio delle Uova Quadre).

Lista de canciones y obras:

1. Plantita de alelí - Huayno

(Canto y charango).

2. La José Julián - Zamacueca

(Guitarra y canto).

3. Huaynito carnavalero - Huayno

(Quena y bombo).

4. La despedida - Yaraví

(Guitarra y canto).

5. Una cosita - Carnavalito

(Canto y charango).

6. Yaraví pa' mi mamá - Yaraví

(Vieja melodía con coplas de Anastasio Quiroga).

7. Canción del llamero

(Canto solo).

8. Cueca - Cueca

(Charango y canto).

9. Pájaros de La Quebrada de Humahuaca

(Imitación con quena).

10. Bailecito - Bailecito

(Charango y canto).

11. Melodía de comparsa carnavalera

(Anata, bombo y caja).

12. Clavel doradito - Huayno

(Charango y canto).

Portada del disco

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Fuentes utilizadas: 

- http://www.magicasruinas.com.ar/revistero/argentina/anastasio-quiroga.htm

- http://presencias.net/educar/ht1013.html

Maíz - A quién / Fuiste un tonto (EP) (1983)

En búsqueda de nuevos horizontes en Europa y el mundo, la agrupación colombiana de rock folclórico y progresivo Génesis decidió lanzar en 1983 el EP 'A quién / Fuiste un tonto'  bajo el nombre de Maíz, dado que en el viejo continente ya existía la muy conocida banda homónima y que el maíz, producto vital para las culturas indígenas, campesinas y populares, plasmaba ese ideal de música agraria al que el conjunto quería apuntar de forma  no sólo conceptual, sino también estética, rítmica y melódica.

Aunque el sueño de conquistar territorio europeo se vio desvanecido, esta grabación constituye una de las joyas y legados del padre del rock nacional de Colombia Pedro Humberto Monroy Gil, conocido como 'Humo', cuya rica obra consta de más de 14 producciones discográficas entre los grupos y momentos de la historia de la música del país. 

Este EP goza de un estilo inconfundible, -muy similar a su álbum predecesor 'En un planeta lejano (1983)', (escúchelo pulsando aquí), que contaría con la presencia de Fernando Reyes en la guitarra y Fabio Gómez en el bajo- simbiosis entre los avances electrónicos de los años 80 y los instrumentos prehispánicos como la antara pentatónica, conocida en el Altiplano Cundiboyacense como 'capador'. Además, pese a sus líricas meramente románticas, la propuesta no abandonó sus orígenes de trabajos previos, llena de aire revolucionario y transgresor, manifiesto en la melodía, la armonía y el ritmo, a quien H. Monroy definiría como 'rock chibcha'.

La agrupación estuvo conformada por: Humberto Monroy (Humo), Edgardo Chávez (Batier), Jorge Latorre (K-ché) y Alfonso Chacón (Pocho).

Video de la canción. (Pulsar para móviles)

Lista de canciones:

- 'A quién' es una composición de Batier, que podemos definir como un bolero atómico para bailar en el transbordador espacial Colombia.

- 'Fuiste un tonto', composición de H. Monroy, punto de partida de un rock chibcha, agrario, con ligeros toques de sonido andino eléctrico.

Créditos:

Diseños: Eduardo Hernández.

Ingeniero de sonido: Enrique Gaviria.

Dirección: Armando Plata Camacho.

Canciones grabadas en Fonovisión Internacional.

Portada del EP.

Enlace para escucharlo en línea.

Enlace de descarga

Para intercambio de este disco en formato WAV escribir a zigzagandino@gmail.com

Posdata: Infinitas gracias a todos quienes han aportado para la permanencia de este blog durante este año, un abrazo a todos y cada uno de nuestros apreciados lectores y amigos, felices fiestas para todos.

Dúo Benítez-Valencia - Ecuador (1958)

'Ecuador' es un disco del Dúo Benítez-Valencia (Gonzalo Benítez y Alberto Valencia) en compañía del guitarrista Bolívar Ortiz, grabado de forma casera en 1958 por Perry H. Culley, Consejero de la Embajada de Estados Unidos en Quito.

Este trabajo realiza un recorrido por el mestizaje, ya que expresa un sincretismo entre la vida campesina y de la ciudad, valiéndose de ricas melodías y ritmos de origen indígena, interpretados con instrumentos de cuerda pulsada. De este modo, sus autores ponen sobre la mesa una problemática aún latente, confrontando así las dinámicas sociales del momento en el continente americano: el racismo y desprecio hacia los pueblos originarios y su legado. 

En consecuencia, es imprescindible mencionar que para su época, la música latinoamericana comercial apuntaba a los cánones estéticos impuestos por el mercado europeo y la academia (afinación, líricas, métrica, instrumentación, temáticas; etcétera), por lo que la creación del Dúo Benítez-Valencia fue una pieza no sólo artística, sino también documental, en cuanto registró de forma veraz y espontánea las distintas expresiones musicales del pueblo ecuatoriano.

Por otro lado, el disco fue lanzado bajo el sello 'Cook Records' bajo la supervisión del destacado ingeniero de sonido e inventor Emory Cook, siendo parte de la colección del Smithsonian Folkways Recordings.

Portada del disco

Lista de obras:

1. Romántico Quito 

(Pasacalle de César Baquero).

2. Tunda, tunda
(Sanjuanito tradicional ecuatoriano).

3. Si tú me olvidas
(Albazo de Jorge Araujo).

4. Romance de mi destino 
(Pasillo de Gonzalo Vera Santos).

5. El chulla quiteño 
(Pasacalle de Alfredo Carpio).

6. Ojos azules 
(Tonada de N. Hidalgo, diferente al huayno homónimo).

7. Puñales 
(Yaraví de Ulpiano Benítez, padre de Gonzalo Benítez).

8. La naranja 
(Tonada del dúo Benítez-Valencia).

9. Longuita mía
(Sanjuanito de Gonzalo Benítez).

10. Vasija de barro 
(Danzante del dúo Benítez-Valencia).

Foto histórica: Bolívar “El Pollo Ortiz”, Gonzalo Benítez y Luis Alberto “Potolo” Valencia.

Extraída de:  https://gonzalobenitez.wordpress.com//?s=bolivar+ortiz&search=Ir

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Louis Girault - Boliva: Panpipes (1987)

El disco 'Bolivia: Panpipes', también conocido como 'Syrinx de Bolivie' fue una recopilación de las grabaciones realizadas entre 1955 y 1973 en el Departamento de La Paz, Bolivia, por el antropólogo y etnomusicólogo francés Louis Girault.

El registro de estas piezas fue arduo, pues el equipo portátil de la época usado en las primeras tomas poco tenía de movible, con una grabadora que pesaba casi 40 kilogramos y que debía ser transportada a lomo de mula o en una carretilla. Estos documentos son piezas etnomusicales excepcionales que inmortalizaron danzas de origen prehispánico que han desaparecido en la actualidad.

La investigación llevada a cabo por Louis Girault se dio en las comunidades quechuas de la región de Charazani (Provincia de Bautista Saavedra) y en las comunidades aymaras del altiplano.

Respecto a las zampoñas:

Las fuentes arqueológicas evidencian que las zampoñas han sido construidas de distintos materiales como junco, cerámica, piedra e incluso metal. No obstante, hoy en día suelen construirse de caña, especialmente de las siguientes especies:

Arunda Sp, conocida en español como 'caña gorda', como 'soqos' en quechua y 'tokoro' en aymara; Chusquea Sp, llamada 'carrizo' en español, 'chuqui' en aymara y 'k'urkur' en quechua; Phragmites Sp, conocida como 'cafla hueca' en español, 'phusa phusa' en aymara y 'castilla soqos' en quechua.

Las comunidades indígenas de la Provincia de Bautista Saavedra llaman 'antara' (quechua) de forma genérica a cualquier zampoña, mientras en las comunidades aymaras del altiplano estas se denominan 'siku'. No obstante, este último nombre es común en las comunidades quechuas. 

La interpretación del instrumento se hace de forma colectiva, con al menos 8 ejecutantes, acompañados de percusión de dos tipos: el primero, 'wankar tinya' en quechua y 'wankara' en aymara, tambor de origen indígena. El segundo, 'wankar' en quechua y 'phutu wankara' en aymara, probablemente inspirado en los redoblantes de guerra españoles.

Es importante destacar la supervivencia de la práctica musical que Girault definiría como "zampoña unitaria", donde la melodía se divide entre la parte superior e inferior del instrumento, cada una interpretada por un ejecutante respectivamente. La de arriba, con usualmente un tubo de más y de mayor longitud, se llama 'arca' en aymara y 'qhatiq' en quechua, significando en ambos casos "el que sigue"; la parte de abajo con un tubo menos y longitud más reducida, es nombrada 'irpa' en aymara y 'pusaq' en quechua, traduciendo "el que lidera".

Por otro lado, además de recibir un nombre genérico, ambas culturas llaman a la zampoña según su tamaño como muestra la siguiente tabla, de forma descendente desde la mayor longitud (tayca / altu mamay) hasta la de menor (chhuli / tutu):

(Extraído del librillo del disco) 

El disco es parte de la Colección de música tradicional de la Unesco, junto a 125 álbumes que hacen parte del patrimonio de música tradicional del mundo y fue lanzado como un homenaje póstumo a  Louis Girault.

Lista de obras e instrumentación:

1. Yaku Kantu (kantu)

(20 músicos de la comunidad de Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

2. Tika Tika (kantu)

(20 músicos de la comunidad de Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

3. Yuyarikuy Kantu (kantu)

(20 músicos de la comunidad de Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

4. Kacharpaya Kantu (kantu)

(20 músicos de la comunidad Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

5. Kanchitu (kantu)

(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

6. Komer Chakra (kantu)

(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

7. Chakipacha (kantu)

(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

8. Akamani (kantu)

(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

9. Baile Chiriwano 

(Grabado en Cañaviri en 1956, 28 sikuris y 1 wislulu).

10. Danza de los Khunturis

(Grabado en Corocoro, Provincia de Pacajes, 12 zampoñas unitarias de 13 tubos: tayca 0.50 mts / malta 0.25 mts / chhuli 0.12 mts] y 9 phutu wankaras).

11. Huayno de los Khunturis

(Grabado en Corocoro, Provincia de Pacajes, 12 zampoñas unitarias de 13 tubos: tayca 0.50 mts / malta 0.25 mts / chhuli 0.12 mts y 9 phutu wankaras).

12. Danza Laquita

a. Danza

b. Loas

c. Llano

(Grabado el 8 de septiembre de 1956 en el pueblo de Peñas, por 24 músicos de la comunidad de Karwisa, con zampoñas de 7 tubos de 4 tamaños: tayca 1 mts / malta 0.50 mts / likhu 0.25 mts / chhuli 0.12 mts).

13. Kacharpaya (huayno)

(Grabado en septiembre 8 de 1973, con 18 zampoñas y 5 phutukhas).

Danzas y coreografía:

Las pistas del 1 al 8 son kantus, una práctica musical de los habitantes quechuas de Charazani. Según Girault, esta danza podría ser una deformación del 'canto' español.

Sin embargo, también se sugiere que su origen podría deberse a la flor llamada 'qantu', 'qantus' o incluso 'qantuta' en quechua, que puede apreciarse durante el baile sobre los sombreros de las mujeres solteras para evidenciar su condición. 

Por otro lado, las danzas más antiguas de los aymaras del altiplano fueron definidas por Girault como "pantomimias", generalmente totémicas (temas 10 y 11), o míticas/históricas (9 y 12). Los temas 10 y 11 están dedicados a la 'danza de los Khunturis', también llamada 'Takiri' o 'danza de los cóndores', danzas totémicas en que los músicos representan con sus vestimentas a estas aves.

El tema de la danza 'Lakita de Peñas', según Girault, es histórico y recuerda las maneras y tradiciones de la aristocracia aymara en tiempos antiguos. El término 'Lakita' podría derivarse del verbo aymara 'lakhita', que significa 'dividir', considerando los 4 tamaños de zampoñas interpretados aquí.

Respecto a Louis Girault, infortunadamente falleció en Bolivia en el año de 1975, así que la publicación de este disco fue posible gracias al trabajo de su esposa Anna Girault junto con un grupo de amigos.

Portada del disco

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Páginas de donde se extrajo información:

-https://journals.openedition.org/bifea/10704

-https://www.worldcat.org/title/bolivia-bolivia-panpipes-syrinx-de-bolivie/oclc/20274655

La Máquina de Hacer Pájaros - La Máquina de Hacer Pájaros (1976) WAV

La historia del rock argentino es una de las más fascinantes del mundo, con personajes y momentos que la han construido y transformado. La Máquina de Hacer Pájaros no es la excepción, siendo una de las agrupaciones que quedarán inmortales en el recuerdo de las generaciones, pues en su tiempo, no gozó de la aceptación del público que sí tuvo Sui Generis, mítico dúo predecesor de la banda integrado por Charly García y Nito Mestre.

Constituida en 1975 y disuelta en 1977, La Máquina grabó dos discos magistrales -'La Máquina de Hacer Pájaros (1976)' y 'Películas (1977)'- con una fuerte vocación progresiva y sinfónica, fruto del gusto de Charly García hacia el rock compuesto en Inglaterra por bandas como Yes o Genesis. “Éramos los Yes del subdesarrollo", opinaría García alguna vez sobre la estética del grupo. (Fuente: http://www.charlygarcia.com.ar/2017/03/las-muchas-metamorfosis-de-charly.html)

A pesar de su separación prematura, el trabajo discográfico del conjunto marcó un hito en el desarrollo creativo del rock latinoamericano. En él se evidencia la genialidad compositiva e interpretativa de sus miembros, en especial de Charly García, el simpático bigote bicolor, quien compondría todos los temas del primer álbum.

Charly García en 1982

El disco se grabó entre julio y septiembre de 1976 en Buenos Aires en los Estudios ION, lanzado bajo la discográfica Talent Microfón. La ilustración de la tapa la realizó Juan Oreste Gatti, mientras que el dibujante y humorista Cristóbal Reinoso "Crist" realizó la cómica historieta de la portada cuyo protagonista defendería a la banda como un "pájaro progresivo".

La banda estuvo integrada por lo siguientes músicos:

-Oscar Moro: batería y accesorios

-José Luis Fernández: bajo, contrabajo acústico, guitarra acústica y voz

-Gustavo Bazterrica: guitarras eléctricas, acústicas y voz

-Carlos Cutaia: órgano, melotrón, piano y clave

-Charly García: piano, sintetizador, piano Fender Rhodes, clave, guitarra acústica y canto.

Créditos:

Ingenieros de sonido: Osvaldo Acedo y Alejandro Torres

Arte: Cristóbal Reinoso "Crist" (historieta), Uberto Sagramosso (foto interior), Juan Oreste Gratti (diseño gráfico y coloreado de foto).

Lista de canciones: (todas las obras compuestas por Charly García y arreglos de La Máquina de Hacer Pájaros)

1. Bubulina (incluida en el Adiós Sui Géneris III)

2. Como mata el viento norte (con Maria Rosa Yorio y Nito Mestre en coros)

3. Boletos, pases y abonos

4. No puedo verme más (con Héctor Dengis y Ana Quatraro en coros)

5. Rock

6. Por probar el vino y el agua salada

7. Ah, te vi entre las luces

Portada del disco

Presione para enlace de descarga (audio estéreo)

Portadas extraídas del blog: http://pandc.10z.com.ar

Digitalización del vinilo por 'Vultur Gryphus'.

Velosa y Los Carrangueros - Marcando Calavera (1996)

Con casi 30 años de trayectoria y nueve trabajos discográficos, Velosa y Los Carrangueros se ratifica como uno de los grupos que más ha aportado al florecimiento de las músicas campesinas de la región andina en Colombia, interpretando con un estilo renovado e inconfundible ritmos como el merengue campesino, la rumba criolla, el torbellino, la guabina, el pasillo, el bambuco; entre otros.

'Marcando Calavera' es el cuarto álbum de Velosa y Los Carrangueros, una agrupación boyacense en cabeza del maestro Jorge Luis Velosa Ruiz, también conocido como 'El Carranguero mayor', cuyo compromiso creativo, lírico y social desde los años 70's lo convierten en uno de los personajes más destacados del ámbito cultural en la historia reciente del país.

Es considerado, junto a su grupo Los Carrangueros de Ráquira (1979-1982), como creador de la carranga, un género fruto de la reivindicación musical campesina del Altiplano cundiboyacense, ejecutado con tiple, tiple requinto, guitarra, guacharaca y en ocasiones la armónica. El nombre del género proviene de la práctica homónima que consiste en la comercialización de la carne de un animal doméstico, generalmente bovino, cuya muerte ha sido por enfermedad o causas naturales y no el sacrificio, como narrarían Los Carrangueros de Ráquira en su álbum 'Así es la vida' (1982), con la canción El Carranguero:

La carranga desarrolló de forma integral las posibilidades líricas, -desde el imaginario bucólico hasta los paisajes urbanos- trascendiendo el sentido monotemático que hasta entonces ponderaba en la música tradicional. De este modo, Jorge Velosa constituyó una voz en la que ha depositado el sentir de las comunidades vulnerables de Colombia a través de su extensa discografía.

Este disco en particular es un encuentro festivo con la muerte, al que Velosa se referiría de esta forma: "El concepto que estamos manejando, tanto en la carátula como en algunas de las letras de las canciones, es una alegoría a la muerte, pero no con tristeza, ni pesar, ni con esqueletos como siempre se suele hacer, sino con alegría, con gozo, con baile; rescatando a la muerte como parte de la vida" - Extraído de: https://www.eltiempo.com/archivo/documento/MAM-651363

Los músicos de la producción son:
-Jorge Velosa Ruiz: primera voz y guacharaca
-José F. Rivas Gómez: guitarra y coros
-Jorge González Virviescas: tiple requinto, segunda voz y coros

-Alberto Aljure Lis "Guafa": tiple, coros y luthier 

Créditos de la producción:
-Arreglos: Los Calavéricos
-Ingeniero de grabación y mezcla: Germán León
-Mezcla: Jorge González
-Edición y masterización: Gabriel Jaime Gutiérrez
-Ilustraciones: Dioscórides Pérez (Profesor Universidad Nacional de Colombia)
-Ecualización: David López
-Artes finales: Julio Rojas, Marta Rojas
-Corte: Mario Rincón

Lista de canciones:
1. La cojita del tesoro (rumba ligera)
2. Llevando del bulto (merengue carranguero)
3. A mi querida novia (rumba jalada)
4. Plegaria radiofónica (merengue arriao)
5. Que viene un angelito (rumba con cositas)
6. La pasilladora (merengue redovado)
7. Eso le pasa por calabaza (rumba-rap)
8. El cuchumbí (merengue cañanguero)
9. Qué pena con mi vecina (rumba-son)
10. Buenos días campesino (merengue carranguero)
11. La gallina mellicera (rumba ronda)
12. Margarita la bonita (merengue bambuqueado)

Portada del disco ilustrada por Dioscórides Pérez

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