Eduardo Galeano - El libro de los abrazos (CD-1990)

El disco 'El libro de los abrazos', del autor uruguayo Eduardo Galeano, consta de una serie de relatos extraídos del libro homónimo (1989), grabados por el escritor en el año de 1990 con el sello 'Ediciones Discográficas Ayuí/Tacuabé' -que ha apuntado desde los años setenta hacia la producción de discos de gran valor cultural que permanecen ignorados por el público y la sociedad en general, manteniéndose con tal admirable labor en épocas complejas como la dictadura militar-.

Fundamentalmente, la capacidad creativa de Galeano desemboca en textos de profunda sensibilidad que, lejanos a ser un ejercicio hiperbólico y exacerbado, logran manifestar la belleza y epicidad de lo simple y cotidiano. A través de este uso de la palabra, se entretejen diversas narraciones que florecen en elucubraciones personales, anecdóticas e históricas, construyendo así un ambiente en que no sólo destacan la versatilidad lírica, sino también conceptos como la otredad, presentada en distintos momentos de los relatos, que invita al análisis de la realidad propia y comunitaria, remaginada y trastocada por los abismos de la mente.

Sin más, que sea el querido Eduardo quien guíe su escucha, para que a través de su voz, se encamine en la voz de muchas sangres, vivencias y perspectivas.

Portada del disco

1. Presentación

2. El mundo

3. El origen del mundo

4. La función del arte

5. La función del lector

6. El arte para los niños

7. El arte desde los niños

8. Celebración de la fantasía

9. Celebración de la realidad

10. Crónica de la ciudad de la habana

11. Crónica de la ciudad de Nueva York

12. La última cerveza en Caldwell

13. Arguedas

14. Noticias

15. Amares

16. Teología (1)

17. Teología (2)

18. Teología (3)

19. Las flores

20. Las hormigas

21. La abuela

22. El abuelo

23. Crónica de la ciudad de Montevideo

24. Celebración de la amistad

25. Celebración del coraje

26. La fiesta

27. Las huellas digitales

28. El aire y el viento

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Página de Ediciones Discográficas Ayuí/Tacuabé: http://www.tacuabe.com

Los Corazas - Raza de bronce (1958)

'Raza de bronce' es el segundo disco de la agrupación ecuatoriana Los Corazas. Su grabación resultó tras la invitación del productor Luis Aníbal Granja, dueño del sello 'Discos Granja', a estos músicos tradicionales. Para entonces, muy pocos grupos dedicados a la música folclórica e indígena habían podido prensar sus trabajos, exceptuando al ya laureado Dúo Benítez-Valencia, de tal forma que el conjunto marcó un precedente indeleble para la música ecuatoriana.

De principio a fin, la producción consta de sentidas obras instrumentales, interpretadas con instrumentos tradicionales como las tundas y el rondador, e instrumentos que a través del mestizaje supieron adherirse a las orquestaciones otavaleñas, como el arpa, la guitarra y el requinto.  Además, antes que el mundo se sensibilizara ante la importancia de la recopilación, grabación y estudio de la música tradicional, Los Corazas hicieron este ejercicio, acompañados por Luis Aníbal Granja. 

Respecto a la figura del 'Coraza', su origen viene de las festividades otavaleñas de San Luis. Así, el Coraza representa a un guerrero vestido con ornamentaciones antiguas, muy probablemente barrocas, que se convierte en el anfitrión y protagonista durante los días de celebración. Generalmente, él pasa montado en un caballo con un paraguas en una de sus manos, bendiciendo los cultivos e invocando fertilidad. De esta forma, el grupo pretendió honrar esta práctica a través de su nombre.

Imagen del Coraza, tomada de: runakay.wordpress.com

El conjunto fue formado y dirigido por Marco Tulio Hidrobo, a quien en 1958 se unieron talentosos músicos, entre los cuales estaba 'El rondador solitario', psuedónimo del maestro del rondador Arturo Aguirre, quien posteriormente sería una de las figuras más representativas del instrumento. Esta formación se mantuvo hasta 1961, fecha en la que falleció Hidrobo y por tanto el grupo se disolvió.

Primera formación, de 1958 a 1961:

-Marco Tulio Hidrobo (1906-1961✝

): flautista, director

-Carlos Arturo Mena (1912-2002✝

): flautista 

-Arturo Aguirre Cruz (1913-2009✝): rondador

-Bolívar Eloy «El Pollo» Ortiz Freire (1919-1974✝): guitarrista

-Segundo José Guaña Acuña (1923-2017✝): guitarrista

-Ángel Rafael Porras Mena (1936): percusión

No obstante, Carlos Arturo Mena y Arturo Aguirre se reunieron bajo el nombre de 'Los Corazas' en 1964 para una gira en Europa junto al 'Ballet Folclórico Grancolombiano', recorriendo 13 países del viejo continente. Acto seguido, en 1966 Mena incluyó a sus hijos en la agrupación. Esta tabla muestra la cronología completa del grupo:

Lista de obras

Lado A:

1. El costillar (albazo)

Tradicional

2. Tunday Tunday (albazo)

Tradicional

3. ¿Por qué te alejas? (albazo)

Compuesto por Gonzalo Castro

4. Mía serás (sanjuanito)

Luis Aníbal Granja

5. Viejo lindo (albazo)

Derechos reservados a su autor

6. El lagunerito (sanjuanito)

Compuesto por José M. Chalampuente

Lado B:

7. El chumadito (sanjuanito)

Compuesto por Alejandro Plaza

8. Ni atormentes mi vida (albazo)

Compuesto por Pedro P. Echeverría

9. Ponchito verde (tonada)

Compuesta por Armando Hidrobo

10. Cariñito (albazo)

Compuesto por Gerardo Obando

11. El yumbo (danza aborigen)

Tradicional

12. Carnaval de Guaranda (Tonada)

Tradicional

Portada del disco

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*Páginas usadas como referencia:

 -runakay.wordpress.com

-https://loscorazas.com

Yaki Kandru - Yaki Kandru (1986)

La agrupación colombiana Yaki Kandru, en cabeza del antropólogo e investigador Jorge López Palacio, constituye uno de los hitos etnomusicales de Latinoamérica, siendo sus aportes extremadamente valiosos para la etnomusicología no sólo del país, sino de todo el continente y a su paso, el mundo.

Fundamentalmente, el trabajo de la agrupación consta de profundas y apasionadas investigaciones con las comunidades indígenas y campesinas, que terminaron en registros sonoros avezados, frutos de un esfuerzo inquebrantable por la comprensión integral de la música como un elemento de orden vital en las poblaciones nativas, superponiéndose a la concepción ornamental y estética del arte occidental. De este modo, Yaki Kandru no corresponde a un grupo meramente recopilatorio, sino uno que excava en los cimientos de la cultura, los reimagina y crea a través de ellos un sonido natural, contundente y hermoso. 

Este disco disco fue grabado en el año de 1979 en los Estudios Egrem de La Habana, Cuba.

      Portada del disco por Pedro Alcántara.

Los instrumentos usados en la grabación fueron (información e imágenes extraídas del librillo):

Firísai (Sonajas)

Sonajas que se elaboraron de las vaínas donde se desarrollaron las semillas de palma de cumare. El pueblo de los Múrui-Muinane en la zona amazónica de Colombia explica este instrumento así: Los primeros seres humanos destruían el veneno de la planta con el rayo. El sonido del rayo lo imita el hombre con el firísai.

Bule de agua 

Calabaza que se coloca boca-abajo en un recipiente lleno de agua. La calabaza se toca con un mazo y se produce el sonido. El bule de agua es un instrumento tradicional de los pueblos Yaqui de Sonora, México, y es utilizado para el acompañamiento para las danzas del venado.

Huilacapiztli (Cráneo de venado, cacho vena'o) 

Ocarina hecho del cráneo de un venado. El nombre del instrumento viene del idioma de los Maya , sin embargo el instrumento se usa en muchos pueblos americanos. En las culturas de América, la simbología que gira alrededor del venado, contiene más de una u otra manera la totalidad del universo y su dinámica. Así nos encontramos, cuando queremos comprender un hueso, un cráneo, una piel, una roca o un instrumento, con la grandeza del hombre americano en su comprensión del universo el pueblo Guahibo de los Llanos orientales lo cataloga como un instrumento funerario.

Pekuarsibo (Flauta de hueso)

Los hombres Cuiba de Colombia dicen que cuando su «gente» muere, se transforma en «blanco» y se comporta como tal. Sin embargo, su «gente» lo llora tanto que que abandona este mundo y parte hacia el «camino de las sombras» (Vía Láctea).

El «blanco» cuando muere se convierte en «uku», ave de rapiña, de las cuales sacan huesos y plumas para hacer flautas.

Cunli

Flauta de pan de los cunas, que consta de 7 u 8 carrizos independientes. En la ceremonia «Yaiganagadi» de iniciación de as mujeres, la chicha se reparte entre los articipantes del ritual. Así como la chicha, se reparten también los tubos pertenecientes a este instrumento.

Fotuto (Fotuto «Worra» y Fotuto globular)

Trompetas de carrizo. En el pueblo Piaroa, los fotutos anuncian la ceremonia de iniciación, la cual representa la muerte y la resurección. Pero la columna de aire en la trompeta no significa únicamente la presencia de la muerte y de la resurección, sino también la palabra de la creación. El ser de fotuto habla del trueno, del cielo y de las montañas. Junto con el agua de las vasijas de barro «worra», el fotuto produce el sonido de las gotas de lluvia.

El fotuto globular está unido con tres calabazas que colocadas una debajo de la otra se pegan con cera de abejas y producen un sonido grave y lleno.

Maraca

Sonaja recipiente hecha de calabazo y rellena de granos o semillas. La maraca es el instrumento predilecto de los shamanes y se une siempre con fuerzas mágicas.

Sus cualidades curanderas se basan en su sonido, el cual se ve como el ritmo de la vida. La maraca es un instrumento tradicional de toda América. La maraca, según nuestras leyendas fue nuestro primer instrumento musical.

Omichicahuastli (Raspador)

Este instrumento se elabora de un hueso de venado en el cual se labran ranuras paralelas. El omichicahuastli es tradicional de los Yaquis y Mayas, el nombre proviene del idioma maya. Simbólicamente liga este instrumento con la fertilidad y los ritos funerarios. Estos últimos no son en los Mayas manifestación de luto, sino para asegurarse por siempre la vida.

Quetzaltesiztli (Caracoles)

Caracoles que se tocan con una piedra. Los Quetzalsiztli se consideran como protección de todo lo malo y de las enfermedades causadas por embrujos (mala suerte, esterilidad, etcétera). Los caracoles aparecen como una característica del mito azteca de la serpiente emplumada Quetzacoátl, la cual creó con su respiración a los hombres y con ellos pobló la tierra.

Sikuri

Flauta de pan hecha de carrizo. El pueblo de los Kofan, que viven en el departamento de Putumayo (Colombia), explica el sikuri así: Una mujer fue al bosque y abrió sus piernas, de su vagina salió una gran red que enredó a todos los animales. Los sonidos que emitió la mujer eran como los de un sapo que croa «tuuvie... tuuvie». Cuando llega el tiempo de la alimentación, los hombres tocan en sus sikuris y suena como el sapo de la leyenda.

Piedras

Estas piedras nos las regaló el arqueólogo colombiano Dr. Gonzalo Correal. Fueron encontradas en las excavaciones hechas en el río Magdalena en cercanías de la Laguna Ciénaga de Chucurí en el departamento de Santander del Sur, datan del paleolítico colombiano. Las excavaciones se realizaron en los años 1975 y 1976. Las herramientas de trabajo de la edad de piedra tienen una edad aproximada de 12.000 a 14.000 años.

Tahuitol (Arco de caza)

Este instrumento se coloca sobre dos calabazas que hacen las veces de caja de resonancia, la cuerda se toca con una varita. El tahuitol se ejecuta entre los indígenas Seri de México, el nombre del instrumento proviene de los Aztecas. 

Al tahuitol se le asigna un sonido tierno pero preciso, el cual tiene cualidades curativas. Junto con el omichicahuastli se tocan los tahuitoles al inicio del invierno, cuando se preparan los campos del maíz para la próxima siembra. Este trabajo o ceremonia se realiza cuando se ha matado un venado como beneficio a la fertilidad.

Tinya (Bombo)

Tambor grande de piel. Entre los Aymará de Bolivia se utiliza la tinya en los ritos de entierro. Su sonido simboliza el último latido del corazón.

Verekushi (Pito)

El verekushi es una flauta de pan que se construye con dos, tres y más tubos de carrizo. «Apota», «Ki'vichun o» y «mie» designan los diferentes tamaños del instrumento: grande, mediano y pequeño.

Yaki Kandru significa en «tengo hambre» en lengua pijao, fruto del compromiso del grupo con la reivindicación de los pueblos indígenas y a su vez, la deuda histórica que Colombia y el mundo tiene con estas poblaciones. En medio de un país seducido por la guerra y el desplazamiento forzoso, Jorge López, desde el exilio, ha sido voz de los desprotegidos y marginados, siempre con un mensaje que apunta a la paz y reconciliación.

Jorge López interpretando una melodía africana

Lista de obras:

-Cara A

1. Mare Mare - Indígenas Cariña

Esta melodía fue tomada en el estado de Anzoátegui, Venezuela.

Instrumentos: verekushi «apota», verekushi «ki'vichun o», verekushi «mie», maracas, tambores.

2. Música con piedras (variaciones sobre el paleolítico) - Yaki Kandru

Yaki Kandru, Colombia.

Instrumentos: piedras firísai.

3. Creación colectiva para fotutos - Yaki Kandru 

Yaki Kandru, Colombia.

Instrumentos: fotutos «worra», fotutos globulares, voces, huilacapiztli, pekuarsibo, firísai, tambor.

4. A'chu «perro» - Indígenas Cuna

Melodía originaria de los indígenas cuna, retomada en 1975 por Yaki Kandru en Colombia. A la interpretación colectiva se agrega  el jadear y los sonidos onomatopéyicos que emite el perro, el cual ayuda en la cacería de los hombres cuna.

Instrumentos: cunli, voces.

-Cara B

5. Yahuar Mallcu - Indígenas Aymará

Bolivia. *Esta obra también es conocida como Pillco, un K'antu, que hace parte de la banda sonora de Yawar Mallku de J. Sanjinés. Pulse aquí para escuchar la versión de los Comuneros de Kaata* 

Instrumentos: sikuris, tinya

6. Burabambo - Indígenas Yaqui

México, recopilado por el etnólogo mexicano Francisco Domínguez en 1931)

Insttrumentos: Cantos, bule de agua, omichicahuastli, firísai, tahuitoteles, quetzalteseiztli, piedras, concha de tortuga.

7. Chu Churi Jimi Nama - Canto Pápago

México, recopilada en 1937 por el etnólogo mexicano Vicente Mendoza

Instrumentos: cantos, tahuitoles, omichicahuastli, quetzalteseiztli, Firísai.

Participantes de la grabación:

-Benajamín Yépez / Antropólogo

-Álvaro López / Dibujante

-Jesús A. Quiñones / Pedagogo

-Beatriz Wilches /Psicóloga

-Carlos Duica / Arquitecto

-William Duica / Estudiante de Filosofía

-Jorge López / Fundador del grupo, profesor y cantante

Textos: Jorge López y Benjamín Yépez

Carátula: Pedro Alcántara

Para descargar el disco, pulse aquí.

Si le interesa este disco en formato sin pérdida (WAV y carátulas completas), escriba a: zigzagandino@gmail.com. 

Maíz - A quién / Fuiste un tonto (EP) (1983)

En búsqueda de nuevos horizontes en Europa y el mundo, la agrupación colombiana de rock folclórico y progresivo Génesis decidió lanzar en 1983 el EP 'A quién / Fuiste un tonto'  bajo el nombre de Maíz, dado que en el viejo continente ya existía la muy conocida banda homónima y que el maíz, producto vital para las culturas indígenas, campesinas y populares, plasmaba ese ideal de música agraria al que el conjunto quería apuntar de forma  no sólo conceptual, sino también estética, rítmica y melódica.

Aunque el sueño de conquistar territorio europeo se vio desvanecido, esta grabación constituye una de las joyas y legados del padre del rock nacional de Colombia Pedro Humberto Monroy Gil, conocido como 'Humo', cuya rica obra consta de más de 14 producciones discográficas entre los grupos y momentos de la historia de la música del país. 

Este EP goza de un estilo inconfundible, -muy similar a su álbum predecesor 'En un planeta lejano (1983)', (escúchelo pulsando aquí), que contaría con la presencia de Fernando Reyes en la guitarra y Fabio Gómez en el bajo- simbiosis entre los avances electrónicos de los años 80 y los instrumentos prehispánicos como la antara pentatónica, conocida en el Altiplano Cundiboyacense como 'capador'. Además, pese a sus líricas meramente románticas, la propuesta no abandonó sus orígenes de trabajos previos, llena de aire revolucionario y transgresor, manifiesto en la melodía, la armonía y el ritmo, a quien H. Monroy definiría como 'rock chibcha'.

La agrupación estuvo conformada por: Humberto Monroy (Humo), Edgardo Chávez (Batier), Jorge Latorre (K-ché) y Alfonso Chacón (Pocho).

Video de la canción. (Pulsar para móviles)

Lista de canciones:

- 'A quién' es una composición de Batier, que podemos definir como un bolero atómico para bailar en el transbordador espacial Colombia.

- 'Fuiste un tonto', composición de H. Monroy, punto de partida de un rock chibcha, agrario, con ligeros toques de sonido andino eléctrico.

Créditos:

Diseños: Eduardo Hernández.

Ingeniero de sonido: Enrique Gaviria.

Dirección: Armando Plata Camacho.

Canciones grabadas en Fonovisión Internacional.

Portada del EP.

Enlace para escucharlo en línea.

Enlace de descarga

Para intercambio de este disco en formato WAV escribir a zigzagandino@gmail.com

Posdata: Infinitas gracias a todos quienes han aportado para la permanencia de este blog durante este año, un abrazo a todos y cada uno de nuestros apreciados lectores y amigos, felices fiestas para todos.

Dúo Benítez-Valencia - Ecuador (1958)

'Ecuador' es un disco del Dúo Benítez-Valencia (Gonzalo Benítez y Alberto Valencia) en compañía del guitarrista Bolívar Ortiz, grabado de forma casera en 1958 por Perry H. Culley, Consejero de la Embajada de Estados Unidos en Quito.

Este trabajo realiza un recorrido por el mestizaje, ya que expresa un sincretismo entre la vida campesina y de la ciudad, valiéndose de ricas melodías y ritmos de origen indígena, interpretados con instrumentos de cuerda pulsada. De este modo, sus autores ponen sobre la mesa una problemática aún latente, confrontando así las dinámicas sociales del momento en el continente americano: el racismo y desprecio hacia los pueblos originarios y su legado. 

En consecuencia, es imprescindible mencionar que para su época, la música latinoamericana comercial apuntaba a los cánones estéticos impuestos por el mercado europeo y la academia (afinación, líricas, métrica, instrumentación, temáticas; etcétera), por lo que la creación del Dúo Benítez-Valencia fue una pieza no sólo artística, sino también documental, en cuanto registró de forma veraz y espontánea las distintas expresiones musicales del pueblo ecuatoriano.

Por otro lado, el disco fue lanzado bajo el sello 'Cook Records' bajo la supervisión del destacado ingeniero de sonido e inventor Emory Cook, siendo parte de la colección del Smithsonian Folkways Recordings.

Portada del disco

Lista de obras:

1. Romántico Quito 

(Pasacalle de César Baquero).

2. Tunda, tunda
(Sanjuanito tradicional ecuatoriano).

3. Si tú me olvidas
(Albazo de Jorge Araujo).

4. Romance de mi destino 
(Pasillo de Gonzalo Vera Santos).

5. El chulla quiteño 
(Pasacalle de Alfredo Carpio).

6. Ojos azules 
(Tonada de N. Hidalgo, diferente al huayno homónimo).

7. Puñales 
(Yaraví de Ulpiano Benítez, padre de Gonzalo Benítez).

8. La naranja 
(Tonada del dúo Benítez-Valencia).

9. Longuita mía
(Sanjuanito de Gonzalo Benítez).

10. Vasija de barro 
(Danzante del dúo Benítez-Valencia).

Foto histórica: Bolívar “El Pollo Ortiz”, Gonzalo Benítez y Luis Alberto “Potolo” Valencia.

Extraída de:  https://gonzalobenitez.wordpress.com//?s=bolivar+ortiz&search=Ir

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Louis Girault - Boliva: Panpipes (1987)

El disco 'Bolivia: Panpipes', también conocido como 'Syrinx de Bolivie' fue una recopilación de las grabaciones realizadas entre 1955 y 1973 en el Departamento de La Paz, Bolivia, por el antropólogo y etnomusicólogo francés Louis Girault.

El registro de estas piezas fue arduo, pues el equipo portátil de la época usado en las primeras tomas poco tenía de movible, con una grabadora que pesaba casi 40 kilogramos y que debía ser transportada a lomo de mula o en una carretilla. Estos documentos son piezas etnomusicales excepcionales que inmortalizaron danzas de origen prehispánico que han desaparecido en la actualidad.

La investigación llevada a cabo por Louis Girault se dio en las comunidades quechuas de la región de Charazani (Provincia de Bautista Saavedra) y en las comunidades aymaras del altiplano.

Respecto a las zampoñas:

Las fuentes arqueológicas evidencian que las zampoñas han sido construidas de distintos materiales como junco, cerámica, piedra e incluso metal. No obstante, hoy en día suelen construirse de caña, especialmente de las siguientes especies:

Arunda Sp, conocida en español como 'caña gorda', como 'soqos' en quechua y 'tokoro' en aymara; Chusquea Sp, llamada 'carrizo' en español, 'chuqui' en aymara y 'k'urkur' en quechua; Phragmites Sp, conocida como 'cafla hueca' en español, 'phusa phusa' en aymara y 'castilla soqos' en quechua.

Las comunidades indígenas de la Provincia de Bautista Saavedra llaman 'antara' (quechua) de forma genérica a cualquier zampoña, mientras en las comunidades aymaras del altiplano estas se denominan 'siku'. No obstante, este último nombre es común en las comunidades quechuas. 

La interpretación del instrumento se hace de forma colectiva, con al menos 8 ejecutantes, acompañados de percusión de dos tipos: el primero, 'wankar tinya' en quechua y 'wankara' en aymara, tambor de origen indígena. El segundo, 'wankar' en quechua y 'phutu wankara' en aymara, probablemente inspirado en los redoblantes de guerra españoles.

Es importante destacar la supervivencia de la práctica musical que Girault definiría como "zampoña unitaria", donde la melodía se divide entre la parte superior e inferior del instrumento, cada una interpretada por un ejecutante respectivamente. La de arriba, con usualmente un tubo de más y de mayor longitud, se llama 'arca' en aymara y 'qhatiq' en quechua, significando en ambos casos "el que sigue"; la parte de abajo con un tubo menos y longitud más reducida, es nombrada 'irpa' en aymara y 'pusaq' en quechua, traduciendo "el que lidera".

Por otro lado, además de recibir un nombre genérico, ambas culturas llaman a la zampoña según su tamaño como muestra la siguiente tabla, de forma descendente desde la mayor longitud (tayca / altu mamay) hasta la de menor (chhuli / tutu):

(Extraído del librillo del disco) 

El disco es parte de la Colección de música tradicional de la Unesco, junto a 125 álbumes que hacen parte del patrimonio de música tradicional del mundo y fue lanzado como un homenaje póstumo a  Louis Girault.

Lista de obras e instrumentación:

1. Yaku Kantu (kantu)

(20 músicos de la comunidad de Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

2. Tika Tika (kantu)

(20 músicos de la comunidad de Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

3. Yuyarikuy Kantu (kantu)

(20 músicos de la comunidad de Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

4. Kacharpaya Kantu (kantu)

(20 músicos de la comunidad Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

5. Kanchitu (kantu)

(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

6. Komer Chakra (kantu)

(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

7. Chakipacha (kantu)

(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

8. Akamani (kantu)

(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

9. Baile Chiriwano 

(Grabado en Cañaviri en 1956, 28 sikuris y 1 wislulu).

10. Danza de los Khunturis

(Grabado en Corocoro, Provincia de Pacajes, 12 zampoñas unitarias de 13 tubos: tayca 0.50 mts / malta 0.25 mts / chhuli 0.12 mts] y 9 phutu wankaras).

11. Huayno de los Khunturis

(Grabado en Corocoro, Provincia de Pacajes, 12 zampoñas unitarias de 13 tubos: tayca 0.50 mts / malta 0.25 mts / chhuli 0.12 mts y 9 phutu wankaras).

12. Danza Laquita

a. Danza

b. Loas

c. Llano

(Grabado el 8 de septiembre de 1956 en el pueblo de Peñas, por 24 músicos de la comunidad de Karwisa, con zampoñas de 7 tubos de 4 tamaños: tayca 1 mts / malta 0.50 mts / likhu 0.25 mts / chhuli 0.12 mts).

13. Kacharpaya (huayno)

(Grabado en septiembre 8 de 1973, con 18 zampoñas y 5 phutukhas).

Danzas y coreografía:

Las pistas del 1 al 8 son kantus, una práctica musical de los habitantes quechuas de Charazani. Según Girault, esta danza podría ser una deformación del 'canto' español.

Sin embargo, también se sugiere que su origen podría deberse a la flor llamada 'qantu', 'qantus' o incluso 'qantuta' en quechua, que puede apreciarse durante el baile sobre los sombreros de las mujeres solteras para evidenciar su condición. 

Por otro lado, las danzas más antiguas de los aymaras del altiplano fueron definidas por Girault como "pantomimias", generalmente totémicas (temas 10 y 11), o míticas/históricas (9 y 12). Los temas 10 y 11 están dedicados a la 'danza de los Khunturis', también llamada 'Takiri' o 'danza de los cóndores', danzas totémicas en que los músicos representan con sus vestimentas a estas aves.

El tema de la danza 'Lakita de Peñas', según Girault, es histórico y recuerda las maneras y tradiciones de la aristocracia aymara en tiempos antiguos. El término 'Lakita' podría derivarse del verbo aymara 'lakhita', que significa 'dividir', considerando los 4 tamaños de zampoñas interpretados aquí.

Respecto a Louis Girault, infortunadamente falleció en Bolivia en el año de 1975, así que la publicación de este disco fue posible gracias al trabajo de su esposa Anna Girault junto con un grupo de amigos.

Portada del disco

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Páginas de donde se extrajo información:

-https://journals.openedition.org/bifea/10704

-https://www.worldcat.org/title/bolivia-bolivia-panpipes-syrinx-de-bolivie/oclc/20274655

Velosa y Los Carrangueros - Marcando Calavera (1996)

Con casi 30 años de trayectoria y nueve trabajos discográficos, Velosa y Los Carrangueros se ratifica como uno de los grupos que más ha aportado al florecimiento de las músicas campesinas de la región andina en Colombia, interpretando con un estilo renovado e inconfundible ritmos como el merengue campesino, la rumba criolla, el torbellino, la guabina, el pasillo, el bambuco; entre otros.

'Marcando Calavera' es el cuarto álbum de Velosa y Los Carrangueros, una agrupación boyacense en cabeza del maestro Jorge Luis Velosa Ruiz, también conocido como 'El Carranguero mayor', cuyo compromiso creativo, lírico y social desde los años 70's lo convierten en uno de los personajes más destacados del ámbito cultural en la historia reciente del país.

Es considerado, junto a su grupo Los Carrangueros de Ráquira (1979-1982), como creador de la carranga, un género fruto de la reivindicación musical campesina del Altiplano cundiboyacense, ejecutado con tiple, tiple requinto, guitarra, guacharaca y en ocasiones la armónica. El nombre del género proviene de la práctica homónima que consiste en la comercialización de la carne de un animal doméstico, generalmente bovino, cuya muerte ha sido por enfermedad o causas naturales y no el sacrificio, como narrarían Los Carrangueros de Ráquira en su álbum 'Así es la vida' (1982), con la canción El Carranguero:

La carranga desarrolló de forma integral las posibilidades líricas, -desde el imaginario bucólico hasta los paisajes urbanos- trascendiendo el sentido monotemático que hasta entonces ponderaba en la música tradicional. De este modo, Jorge Velosa constituyó una voz en la que ha depositado el sentir de las comunidades vulnerables de Colombia a través de su extensa discografía.

Este disco en particular es un encuentro festivo con la muerte, al que Velosa se referiría de esta forma: "El concepto que estamos manejando, tanto en la carátula como en algunas de las letras de las canciones, es una alegoría a la muerte, pero no con tristeza, ni pesar, ni con esqueletos como siempre se suele hacer, sino con alegría, con gozo, con baile; rescatando a la muerte como parte de la vida" - Extraído de: https://www.eltiempo.com/archivo/documento/MAM-651363

Los músicos de la producción son:
-Jorge Velosa Ruiz: primera voz y guacharaca
-José F. Rivas Gómez: guitarra y coros
-Jorge González Virviescas: tiple requinto, segunda voz y coros

-Alberto Aljure Lis "Guafa": tiple, coros y luthier 

Créditos de la producción:
-Arreglos: Los Calavéricos
-Ingeniero de grabación y mezcla: Germán León
-Mezcla: Jorge González
-Edición y masterización: Gabriel Jaime Gutiérrez
-Ilustraciones: Dioscórides Pérez (Profesor Universidad Nacional de Colombia)
-Ecualización: David López
-Artes finales: Julio Rojas, Marta Rojas
-Corte: Mario Rincón

Lista de canciones:
1. La cojita del tesoro (rumba ligera)
2. Llevando del bulto (merengue carranguero)
3. A mi querida novia (rumba jalada)
4. Plegaria radiofónica (merengue arriao)
5. Que viene un angelito (rumba con cositas)
6. La pasilladora (merengue redovado)
7. Eso le pasa por calabaza (rumba-rap)
8. El cuchumbí (merengue cañanguero)
9. Qué pena con mi vecina (rumba-son)
10. Buenos días campesino (merengue carranguero)
11. La gallina mellicera (rumba ronda)
12. Margarita la bonita (merengue bambuqueado)

Portada del disco ilustrada por Dioscórides Pérez

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Gonzalo Arango - Nadaísmo (1965)

Gonzalo Arango Arias fue un destacado escritor, periodista, poeta y dramaturgo antioqueño. Influenciado por corrientes literarias como la Generación Beat (Jack Kerouac, Allen Gingsberg; etcétera) o el existencialismo francés (Albert Camus, Jean-Paul Sartre), y en adición al acompañamiento intelectual del 'filósofo de Otraparte' Fernando González Ochoa, en 1958 publicó el Primer manifiesto nadaísta, una crítica voraz hacia los valores y juicios morales de la época, que causó revuelo en la sociedad conservadora que para entonces era Medellín.

Su extensa obra se debate entre el ateísmo recalcitrante de sus primeras creaciones y la plenitud espiritual de sus últimos años de vida.

En este caso, el álbum Nadaísmo, de 1965, grabado bajo el sello Almacenes Discos Bambuco, es un trabajo en que Gonzalo Arango lee cinco de sus escritos, cuya escucha es un deleite repleto de poesía, sátira, humor, sensibilidad y cuantas sensaciones puedan provocar al oyente. Con su lírica retrata a un país sincrético, cuna de sus grandes regocijos, en simultáneo que enmarca los horrores de la guerra y la deshumanización por el conflicto interno y el mercantilismo.

Como diría Arango magistralmente en Elegía a Desquite: "¿Qué le dirá a Dios este bandido? Nada que Dios no sepa: que los hombres no matan porque nacieron asesinos, sino que son asesinos porque la sociedad en que nacieron les negó el derecho a ser hombres.

Menos mal que Desquite no irá al Infierno, pues él ya pagó sus culpas en el infierno sin esperanzas de su patria.

 Pero tampoco irá al Cielo porque su ideal de salvación fue inhumano, y descargó sus odios eligiendo las víctimas entre inocentes." - Tomado de: www.gonzaloarango.com

La lista de obras del vinilo es la siguiente:

1. Mi vida

2. Los nadaístas

3. Cali, aparta de mí este cáliz

4. Desquite

5. Medellín a solas contigo 

Portada del vinilo

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María Elena Walsh - Canciones para mí (1963)

Canciones para mí es un álbum solista de la cantautora, poetisa, dramaturga y compositora argentina María Elena Walsh.

En este trabajo discográfico se puede apreciar la genialidad lírica y musical de la autora, pasando por paisajes sonoros alrededor del mundo en obras como 'Canción de bañar la luna' con una temática influenciada por la cultura japonesa o 'La Calle del Gato que pesca', inspirada en la famosa calle homónima de París, cuya armonización recuerda al fox trot y el blues del siglo XX.

La creación de María Elena Walsh es magnánima, trascendiendo edades y épocas, considerando que está dirigida a infantes. Sin embargo, allí radica su riqueza; en la posibilidad de crear un ambiente poético repleto de imágenes, texturas y colores, donde adultos y niños pueden convergir libremente.

De este modo, la autora nos invita al deleite de su obra:

"Los pobres coladores

tienen mucha sed

porque el agua se les escapa

cada dos por tres."

Lista de canciones:
1. Canción de bañar la Luna

2. Canción de tomar el té
3. Don dolón dolón
4. La Calle del Gato que pesca
5. Manuelita la tortuga
6. Canción del último tranvía
7. Twist del Mono Liso
8. Los castillos
9. Canción de la lavandera
10. Chacarera de los gatos
11. Calles de París
12. Canción de títeres 

Portada del disco

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In memoriam: Alfonso Cachiguango

La reciente partida del maestro Alfonso Cachiguango fue una dura noticia para los amantes de la música andina. Este otavaleño nacido en 1955 fue un músico destacado, fundador y director de la agrupación Ñanda Mañachi (Préstatame el camino), con quien emprendió una voluminosa producción musical dedicada a los ritmos andinos de Ecuador.

Su labor músico-pedagógica, que marcó el trasegar de más de tres generaciones, es un hito invaluable que merece todo el reconocimiento del que, desafortunadamente, no gozó en vida. Así pues, honrando su memoria y con el profundo aprecio que tenemos por su obra mágnánima, publicamos el disco Desde México, Vol. 3  de la agrupación Ñanda Mañachi.

Lista de canciones:

1. Fiesta de Mi Pueblo

2. Sacha Conejo

3. Calpay Taki

4. Llanacita

6. Amorcito

7. Tahuantinsuyo

8. Yaycuy Chishi

9. Fiesta del Sol

10. El Conejito

11. Amanecer Otavalo

12. Ovalenita Cañar

13. Peguche

14. Yamor

15. Vuela vuela pajarito

(Portada del disco)

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