lunes, 8 de febrero de 2021

Yaki Kandru - Yaki Kandru (1986)

La agrupación colombiana Yaki Kandru, en cabeza del antropólogo e investigador Jorge López Palacio, constituye uno de los hitos etnomusicales de Latinoamérica, siendo sus aportes extremadamente valiosos para la etnomusicología no sólo del país, sino de todo el continente y a su paso, el mundo.

Fundamentalmente, el trabajo de la agrupación consta de profundas y apasionadas investigaciones con las comunidades indígenas y campesinas, que terminaron en registros sonoros avezados, frutos de un esfuerzo inquebrantable por la comprensión integral de la música como un elemento de orden vital en las poblaciones nativas, superponiéndose a la concepción ornamental y estética del arte occidental. De este modo, Yaki Kandru no corresponde a un grupo meramente recopilatorio, sino uno que excava en los cimientos de la cultura, los reimagina y crea a través de ellos un sonido natural, contundente y hermoso. 

Este disco disco fue grabado en el año de 1979 en los Estudios Egrem de La Habana, Cuba.

      Portada del disco por Pedro Alcántara.


Los instrumentos usados en la grabación fueron (información e imágenes extraídas del librillo):

Firísai (Sonajas)
Sonajas que se elaboraron de las vaínas donde se desarrollaron las semillas de palma de cumare. El pueblo de los Múrui-Muinane en la zona amazónica de Colombia explica este instrumento así: Los primeros seres humanos destruían el veneno de la planta con el rayo. El sonido del rayo lo imita el hombre con el firísai.

Bule de agua 
Calabaza que se coloca boca-abajo en un recipiente lleno de agua. La calabaza se toca con un mazo y se produce el sonido. El bule de agua es un instrumento tradicional de los pueblos Yaqui de Sonora, México, y es utilizado para el acompañamiento para las danzas del venado.

Huilacapiztli (Cráneo de venado, cacho vena'o) 
Ocarina hecho del cráneo de un venado. El nombre del instrumento viene del idioma de los Maya , sin embargo el instrumento se usa en muchos pueblos americanos. En las culturas de América, la simbología que gira alrededor del venado, contiene más de una u otra manera la totalidad del universo y su dinámica. Así nos encontramos, cuando queremos comprender un hueso, un cráneo, una piel, una roca o un instrumento, con la grandeza del hombre americano en su comprensión del universo el pueblo Guahibo de los Llanos orientales lo cataloga como un instrumento funerario.

Pekuarsibo (Flauta de hueso)
Los hombres Cuiba de Colombia dicen que cuando su «gente» muere, se transforma en «blanco» y se comporta como tal. Sin embargo, su «gente» lo llora tanto que que abandona este mundo y parte hacia el «camino de las sombras» (Vía Láctea).
El «blanco» cuando muere se convierte en «uku», ave de rapiña, de las cuales sacan huesos y plumas para hacer flautas.

Cunli
Flauta de pan de los cunas, que consta de 7 u 8 carrizos independientes. En la ceremonia «Yaiganagadi» de iniciación de as mujeres, la chicha se reparte entre los articipantes del ritual. Así como la chicha, se reparten también los tubos pertenecientes a este instrumento.

Fotuto (Fotuto «Worra» y Fotuto globular)
Trompetas de carrizo. En el pueblo Piaroa, los fotutos anuncian la ceremonia de iniciación, la cual representa la muerte y la resurección. Pero la columna de aire en la trompeta no significa únicamente la presencia de la muerte y de la resurección, sino también la palabra de la creación. El ser de fotuto habla del trueno, del cielo y de las montañas. Junto con el agua de las vasijas de barro «worra», el fotuto produce el sonido de las gotas de lluvia.
El fotuto globular está unido con tres calabazas que colocadas una debajo de la otra se pegan con cera de abejas y producen un sonido grave y lleno.

Maraca
Sonaja recipiente hecha de calabazo y rellena de granos o semillas. La maraca es el instrumento predilecto de los shamanes y se une siempre con fuerzas mágicas.
Sus cualidades curanderas se basan en su sonido, el cual se ve como el ritmo de la vida. La maraca es un instrumento tradicional de toda América. La maraca, según nuestras leyendas fue nuestro primer instrumento musical.

Omichicahuastli (Raspador)
Este instrumento se elabora de un hueso de venado en el cual se labran ranuras paralelas. El omichicahuastli es tradicional de los Yaquis y Mayas, el nombre proviene del idioma maya. Simbólicamente liga este instrumento con la fertilidad y los ritos funerarios. Estos últimos no son en los Mayas manifestación de luto, sino para asegurarse por siempre la vida.

Quetzaltesiztli (Caracoles)
Caracoles que se tocan con una piedra. Los Quetzalsiztli se consideran como protección de todo lo malo y de las enfermedades causadas por embrujos (mala suerte, esterilidad, etcétera). Los caracoles aparecen como una característica del mito azteca de la serpiente emplumada Quetzacoátl, la cual creó con su respiración a los hombres y con ellos pobló la tierra.

Sikuri
Flauta de pan hecha de carrizo. El pueblo de los Kofan, que viven en el departamento de Putumayo (Colombia), explica el sikuri así: Una mujer fue al bosque y abrió sus piernas, de su vagina salió una gran red que enredó a todos los animales. Los sonidos que emitió la mujer eran como los de un sapo que croa «tuuvie... tuuvie». Cuando llega el tiempo de la alimentación, los hombres tocan en sus sikuris y suena como el sapo de la leyenda.

Piedras
Estas piedras nos las regaló el arqueólogo colombiano Dr. Gonzalo Correal. Fueron encontradas en las excavaciones hechas en el río Magdalena en cercanías de la Laguna Ciénaga de Chucurí en el departamento de Santander del Sur, datan del paleolítico colombiano. Las excavaciones se realizaron en los años 1975 y 1976. Las herramientas de trabajo de la edad de piedra tienen una edad aproximada de 12.000 a 14.000 años.

Tahuitol (Arco de caza)
Este instrumento se coloca sobre dos calabazas que hacen las veces de caja de resonancia, la cuerda se toca con una varita. El tahuitol se ejecuta entre los indígenas Seri de México, el nombre del instrumento proviene de los Aztecas. 
Al tahuitol se le asigna un sonido tierno pero preciso, el cual tiene cualidades curativas. Junto con el omichicahuastli se tocan los tahuitoles al inicio del invierno, cuando se preparan los campos del maíz para la próxima siembra. Este trabajo o ceremonia se realiza cuando se ha matado un venado como beneficio a la fertilidad.

Tinya (Bombo)
Tambor grande de piel. Entre los Aymará de Bolivia se utiliza la tinya en los ritos de entierro. Su sonido simboliza el último latido del corazón.

Verekushi (Pito)
El verekushi es una flauta de pan que se construye con dos, tres y más tubos de carrizo. «Apota», «Ki'vichun o» y «mie» designan los diferentes tamaños del instrumento: grande, mediano y pequeño.


Yaki Kandru significa en «tengo hambre» en lengua pijao, fruto del compromiso del grupo con la reivindicación de los pueblos indígenas y a su vez, la deuda histórica que Colombia y el mundo tiene con estas poblaciones. En medio de un país seducido por la guerra y el desplazamiento forzoso, Jorge López, desde el exilio, ha sido voz de los desprotegidos y marginados, siempre con un mensaje que apunta a la paz y reconciliación.


Jorge López interpretando una melodía africana


Lista de obras:

-Cara A

1. Mare Mare - Indígenas Cariña
Esta melodía fue tomada en el estado de Anzoátegui, Venezuela.
Instrumentos: verekushi «apota», verekushi «ki'vichun o», verekushi «mie», maracas, tambores.

2. Música con piedras (variaciones sobre el paleolítico) - Yaki Kandru
Yaki Kandru, Colombia.
Instrumentos: piedras firísai.

3. Creación colectiva para fotutos - Yaki Kandru 
Yaki Kandru, Colombia.
Instrumentos: fotutos «worra», fotutos globulares, voces, huilacapiztli, pekuarsibo, firísai, tambor.

4. A'chu «perro» - Indígenas Cuna
Melodía originaria de los indígenas cuna, retomada en 1975 por Yaki Kandru en Colombia. A la interpretación colectiva se agrega  el jadear y los sonidos onomatopéyicos que emite el perro, el cual ayuda en la cacería de los hombres cuna.
Instrumentos: cunli, voces.


-Cara B

5. Yahuar Mallcu - Indígenas Aymará
Bolivia. *Esta obra también es conocida como Pillco, un K'antu, que hace parte de la banda sonora de Yawar Mallku de J. Sanjinés. Pulse aquí para escuchar la versión de los Comuneros de Kaata
Instrumentos: sikuris, tinya

6. Burabambo - Indígenas Yaqui
México, recopilado por el etnólogo mexicano Francisco Domínguez en 1931)
Insttrumentos: Cantos, bule de agua, omichicahuastli, firísai, tahuitoteles, quetzalteseiztli, piedras, concha de tortuga.

7. Chu Churi Jimi Nama - Canto Pápago
México, recopilada en 1937 por el etnólogo mexicano Vicente Mendoza
Instrumentos: cantos, tahuitoles, omichicahuastli, quetzalteseiztli, Firísai.


Participantes de la grabación:
-Benajamín Yépez / Antropólogo
-Álvaro López / Dibujante
-Jesús A. Quiñones / Pedagogo
-Beatriz Wilches /Psicóloga
-Carlos Duica / Arquitecto
-William Duica / Estudiante de Filosofía
-Jorge López / Fundador del grupo, profesor y cantante

Textos: Jorge López y Benjamín Yépez

Carátula: Pedro Alcántara



Si le interesa este disco en formato sin pérdida (WAV y carátulas completas), escriba a: zigzagandino@gmail.com. 


martes, 29 de diciembre de 2020

Anastasio Quiroga - Disco de un pastor de cabras (1969) FLAC

'Disco de un pastor de cabras' es un disco del músico Anastasio Quiroga (1916-1988), grabado bajo el sello argentino Disc Jockey en 1969 y guiado por la musicóloga Leda Valladares. 

Aunque el trabajo de este autor ha pasado desapercibido e invisibilizado a través del tiempo, su autenticidad y naturaleza innata lo convierten en una de las piezas claves del la narración y música humahuaqueña, pues es, sin muchos rodeos, es el disco de un pastor de cabras y sus andanzas por la cordillera.

De esta forma, la creación de Anastasio entreteje narración, música y poesía a través de las visiones y sentires populares de la Quebrada de Humahuaca de una forma muy especial, que no nace de la imitación de las manifestaciones culturales -como sí hicieron otros folkloristas latinoamericanos de su época- sino que se trata de un aprendizaje heredado de sus ancestros y reimaginado en su mente prodigiosa. 

Así se referiría Leda respecto a Quiroga y la producción del disco:

«En medio de la terrible confusión que los fantasistas han levantado en torno a nuestro folklore campesino y tradicional, Anastasio Quiroga significa verdad, sabor y belleza folclórica.

Quiroga canta, baila y toca como lo hicieron sus abuelos y no pretende reformar ni "mejorar" sabias costumbres de sus pagos.

Artista y artesano toca todos los instrumentos de viento, cuerda y percusión de la Quebrada de Humahuaca y el altiplano, y además los fabrica con cariño de artífice. Es un archivo de canciones y leyendas, a la vez que excelente coplero y compositor.

Miembro de una cultura indígena que hoy languidece, en el norte es un ejemplo de autoabastecimiento por el múltiple manejo de sus manos: agricultor, constructor, artesano y ceramista. Puede vivir del talento natural de sus manos y de su lugar a sabiduría artística que le permite cantar y tocar representando a su pueblo y moldear la tierra con la gracia habitual de sus antepasados.

Ha sido pastor de cabras en las milenarias montañas de la Quebrada de Humahuaca, lazarillo de un ciego, arriero trotapueblos, pelador de cañas en el ingenio jujeño de la Mendieta, musiquero de ocasión y músico de la banda municipal.

Quiroga tiene cincuenta años. Nació en San Pedro de Jujuy y se crió en La Quiaca y Humahuaca.

Hoy lo tenemos en nuestro campo bonaerense, en plena Tortuguitas, donde ha levantado su casa de adobe al estilo humahuaqueño.

En este disco mi intervención ha consistido en ordenar sus reliquias y en provocarle oportunamente los sabrosos comentarios con que acompaña sus cantos en español y en quichua.

Quiroga puede enseñarnos la vieja sabiduría de sus antepasados y nos inspira el mismo respeto que todo un pueblo sumergido en sus leyendas y en sus prácticas rituales.» -Leda Valladares

(Ilustración extraída del librillo de Argento Vivo, 
álbum de Il Laboratorio delle Uova Quadre).


Lista de canciones y obras:

1. Plantita de alelí - Huayno

(Canto y charango).


2. La José Julián - Zamacueca

(Guitarra y canto).


3. Huaynito carnavalero - Huayno

(Quena y bombo).


4. La despedida - Yaraví

(Guitarra y canto).


5. Una cosita - Carnavalito

(Canto y charango).


6. Yaraví pa' mi mamá - Yaraví

(Vieja melodía con coplas de Anastasio Quiroga).


7. Canción del llamero

(Canto solo).


8. Cueca - Cueca

(Charango y canto).


9. Pájaros de La Quebrada de Humahuaca

(Imitación con quena).


10. Bailecito - Bailecito

(Charango y canto).


11. Melodía de comparsa carnavalera

(Anata, bombo y caja).


12. Clavel doradito - Huayno

(Charango y canto).

Portada del disco

Fuentes utilizadas: 

http://www.magicasruinas.com.ar/revistero/argentina/anastasio-quiroga.htm

http://presencias.net/educar/ht1013.html




martes, 22 de diciembre de 2020

Maíz - A quién / Fuiste un tonto (EP) (1983)

En búsqueda de nuevos horizontes en Europa y el mundo, la agrupación colombiana de rock folclórico y progresivo Génesis decidió lanzar en 1983 el EP 'A quién / Fuiste un tonto'  bajo el nombre de Maíz, dado que en el viejo continente ya existía la muy conocida banda homónima y que el maíz, producto vital para las culturas indígenas, campesinas y populares, plasmaba ese ideal de música agraria al que el conjunto quería apuntar de forma  no sólo conceptual, sino también estética, rítmica y melódica.
Aunque el sueño de conquistar territorio europeo se vio desvanecido, esta grabación constituye una de las joyas y legados del padre del rock nacional de Colombia Pedro Humberto Monroy Gil, conocido como 'Humo', cuya rica obra consta de más de 14 producciones discográficas entre los grupos y momentos de la historia de la música del país. 

Este EP goza de un estilo inconfundible, -muy similar a su álbum predecesor 'En un planeta lejano (1983)', (escúchelo pulsando aquí)que contaría con la presencia de Fernando Reyes en la guitarra y Fabio Gómez en el bajo- simbiosis entre los avances electrónicos de los años 80 y los instrumentos prehispánicos como la antara pentatónica, conocida en el Altiplano Cundiboyacense como 'capador'. Además, pese a sus líricas meramente románticas, la propuesta no abandonó sus orígenes de trabajos previos, llena de aire revolucionario y transgresor, manifiesto en la melodía, la armonía y el ritmo, a quien H. Monroy definiría como 'rock chibcha'.

La agrupación estuvo conformada por: Humberto Monroy (Humo), Edgardo Chávez (Batier), Jorge Latorre (K-ché) y Alfonso Chacón (Pocho).


Lista de canciones:

'A quién' es una composición de Batier, que podemos definir como un bolero atómico para bailar en el transbordador espacial Colombia.

- 'Fuiste un tonto', composición de H. Monroy, punto de partida de un rock chibcha, agrario, con ligeros toques de sonido andino eléctrico.


Créditos:

Diseños: Eduardo Hernández.

Ingeniero de sonido: Enrique Gaviria.

Dirección: Armando Plata Camacho.

Canciones grabadas en Fonovisión Internacional.


Portada del EP.

Enlace para escucharlo en línea.



Para intercambio de este disco en formato WAV escribir a zigzagandino@gmail.com

Posdata: Infinitas gracias a todos quienes han aportado para la permanencia de este blog durante este año, un abrazo a todos y cada uno de nuestros apreciados lectores y amigos, felices fiestas para todos.


miércoles, 9 de diciembre de 2020

Dúo Benítez-Valencia - Ecuador (1958)

'Ecuador' es un disco del Dúo Benítez-Valencia (Gonzalo Benítez y Alberto Valencia) en compañía del guitarrista Bolívar Ortiz, grabado de forma casera en 1958 por Perry H. Culley, Consejero de la Embajada de Estados Unidos en Quito.

Este trabajo realiza un recorrido por el mestizaje, ya que expresa un sincretismo entre la vida campesina y de la ciudad, valiéndose de ricas melodías y ritmos de origen indígena, interpretados con instrumentos de cuerda pulsada. De este modo, sus autores ponen sobre la mesa una problemática aún latente, confrontando así las dinámicas sociales del momento en el continente americano: el racismo y desprecio hacia los pueblos originarios y su legado. 

En consecuencia, es imprescindible mencionar que para su época, la música latinoamericana comercial apuntaba a los cánones estéticos impuestos por el mercado europeo y la academia (afinación, líricas, métrica, instrumentación, temáticas; etcétera), por lo que la creación del Dúo Benítez-Valencia fue una pieza no sólo artística, sino también documental, en cuanto registró de forma veraz y espontánea las distintas expresiones musicales del pueblo ecuatoriano.

Por otro lado, el disco fue lanzado bajo el sello 'Cook Records' bajo la supervisión del destacado ingeniero de sonido e inventor Emory Cook, siendo parte de la colección del Smithsonian Folkways Recordings.

Portada del disco

Lista de obras:

1. Romántico Quito 

(Pasacalle de César Baquero).

2. Tunda, tunda
(Sanjuanito tradicional ecuatoriano).

3. Si tú me olvidas
(Albazo de Jorge Araujo).

4. Romance de mi destino 
(Pasillo de Gonzalo Vera Santos).

5. El chulla quiteño 
(Pasacalle de Alfredo Carpio).

6. Ojos azules 
(Tonada de N. Hidalgo, diferente al huayno homónimo).

7. Puñales 
(Yaraví de Ulpiano Benítez, padre de Gonzalo Benítez).

8. La naranja 
(Tonada del dúo Benítez-Valencia).

9. Longuita mía
(Sanjuanito de Gonzalo Benítez).

10. Vasija de barro 
(Danzante del dúo Benítez-Valencia).

Foto histórica: Bolívar “El Pollo Ortiz”, Gonzalo Benítez y Luis Alberto “Potolo” Valencia.

Extraída de:  https://gonzalobenitez.wordpress.com//?s=bolivar+ortiz&search=Ir


Presione para enlace de descarga



martes, 1 de diciembre de 2020

Louis Girault - Boliva: Panpipes (1987)

El disco 'Bolivia: Panpipes', también conocido como 'Syrinx de Bolivie' fue una recopilación de las grabaciones realizadas entre 1955 y 1973 en el Departamento de La Paz, Bolivia, por el antropólogo y etnomusicólogo francés Louis Girault.

El registro de estas piezas fue arduo, pues el equipo portátil de la época usado en las primeras tomas poco tenía de movible, con una grabadora que pesaba casi 40 kilogramos y que debía ser transportada a lomo de mula o en una carretilla. Estos documentos son piezas etnomusicales excepcionales que inmortalizaron danzas de origen prehispánico que han desaparecido en la actualidad.

La investigación llevada a cabo por Louis Girault se dio en las comunidades quechuas de la región de Charazani (Provincia de Bautista Saavedra) y en las comunidades aymaras del altiplano.

Respecto a las zampoñas:
Las fuentes arqueológicas evidencian que las zampoñas han sido construidas de distintos materiales como junco, cerámica, piedra e incluso metal. No obstante, hoy en día suelen construirse de caña, especialmente de las siguientes especies:
Arunda Sp, conocida en español como 'caña gorda', como 'soqos' en quechua y 'tokoro' en aymara; Chusquea Sp, llamada 'carrizo' en español, 'chuqui' en aymara y 'k'urkur' en quechua; Phragmites Sp, conocida como 'cafla hueca' en español, 'phusa phusa' en aymara y 'castilla soqos' en quechua.

Las comunidades indígenas de la Provincia de Bautista Saavedra llaman 'antara' (quechua) de forma genérica a cualquier zampoña, mientras en las comunidades aymaras del altiplano estas se denominan 'siku'. No obstante, este último nombre es común en las comunidades quechuas. 
La interpretación del instrumento se hace de forma colectiva, con al menos 8 ejecutantes, acompañados de percusión de dos tipos: el primero, 'wankar tinya' en quechua y 'wankara' en aymara, tambor de origen indígena. El segundo, 'wankar' en quechua y 'phutu wankara' en aymara, probablemente inspirado en los redoblantes de guerra españoles.

Es importante destacar la supervivencia de la práctica musical que Girault definiría como "zampoña unitaria", donde la melodía se divide entre la parte superior e inferior del instrumento, cada una interpretada por un ejecutante respectivamente. La de arriba, con usualmente un tubo de más y de mayor longitud, se llama 'arca' en aymara y 'qhatiq' en quechua, significando en ambos casos "el que sigue"; la parte de abajo con un tubo menos y longitud más reducida, es nombrada 'irpa' en aymara y 'pusaq' en quechua, traduciendo "el que lidera".

Por otro lado, además de recibir un nombre genérico, ambas culturas llaman a la zampoña según su tamaño como muestra la siguiente tabla, de forma descendente desde la mayor longitud (tayca / altu mamay) hasta la de menor (chhuli / tutu):

(Extraído del librillo del disco) 

El disco es parte de la Colección de música tradicional de la Unesco, junto a 125 álbumes que hacen parte del patrimonio de música tradicional del mundo y fue lanzado como un homenaje póstumo a  Louis Girault.

Lista de obras e instrumentación:
1. Yaku Kantu (kantu)
(20 músicos de la comunidad de Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

2. Tika Tika (kantu)
(20 músicos de la comunidad de Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

3. Yuyarikuy Kantu (kantu)
(20 músicos de la comunidad de Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

4. Kacharpaya Kantu (kantu)
(20 músicos de la comunidad Chari, con 20 zampoñas y 5 wankaras).

5. Kanchitu (kantu)
(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

6. Komer Chakra (kantu)
(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

7. Chakipacha (kantu)
(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

8. Akamani (kantu)
(19 músicos de la comunidad de Kaalaya, con 18 antaras, 4 wankaras y 1 triángulo).

9. Baile Chiriwano 
(Grabado en Cañaviri en 1956, 28 sikuris y 1 wislulu).

10. Danza de los Khunturis
(Grabado en Corocoro, Provincia de Pacajes, 12 zampoñas unitarias de 13 tubos: tayca 0.50 mts / malta 0.25 mts / chhuli 0.12 mts] y 9 phutu wankaras).

11. Huayno de los Khunturis
(Grabado en Corocoro, Provincia de Pacajes, 12 zampoñas unitarias de 13 tubos: tayca 0.50 mts / malta 0.25 mts / chhuli 0.12 mts y 9 phutu wankaras).

12. Danza Laquita
a. Danza
b. Loas
c. Llano
(Grabado el 8 de septiembre de 1956 en el pueblo de Peñas, por 24 músicos de la comunidad de Karwisa, con zampoñas de 7 tubos de 4 tamaños: tayca 1 mts / malta 0.50 mts / likhu 0.25 mts / chhuli 0.12 mts).

13. Kacharpaya (huayno)
(Grabado en septiembre 8 de 1973, con 18 zampoñas y 5 phutukhas).

Danzas y coreografía:
Las pistas del 1 al 8 son kantus, una práctica musical de los habitantes quechuas de Charazani. Según Girault, esta danza podría ser una deformación del 'canto' español.
Sin embargo, también se sugiere que su origen podría deberse a la flor llamada 'qantu', 'qantus' o incluso 'qantuta' en quechua, que puede apreciarse durante el baile sobre los sombreros de las mujeres solteras para evidenciar su condición. 

Por otro lado, las danzas más antiguas de los aymaras del altiplano fueron definidas por Girault como "pantomimias", generalmente totémicas (temas 10 y 11), o míticas/históricas (9 y 12). Los temas 10 y 11 están dedicados a la 'danza de los Khunturis', también llamada 'Takiri' o 'danza de los cóndores', danzas totémicas en que los músicos representan con sus vestimentas a estas aves.

El tema de la danza 'Lakita de Peñas', según Girault, es histórico y recuerda las maneras y tradiciones de la aristocracia aymara en tiempos antiguos. El término 'Lakita' podría derivarse del verbo aymara 'lakhita', que significa 'dividir', considerando los 4 tamaños de zampoñas interpretados aquí.


Respecto a Louis Girault, infortunadamente falleció en Bolivia en el año de 1975, así que la publicación de este disco fue posible gracias al trabajo de su esposa Anna Girault junto con un grupo de amigos.

Portada del disco




sábado, 22 de agosto de 2020

La Máquina de Hacer Pájaros - La Máquina de Hacer Pájaros (1976) WAV

La historia del rock argentino es una de las más fascinantes del mundo, con personajes y momentos que la han construido y transformado. La Máquina de Hacer Pájaros no es la excepción, siendo una de las agrupaciones que quedarán inmortales en el recuerdo de las generaciones, pues en su tiempo, no gozó de la aceptación del público que sí tuvo Sui Generis, mítico dúo predecesor de la banda integrado por Charly García y Nito Mestre.

Constituida en 1975 y disuelta en 1977, La Máquina grabó dos discos magistrales -'La Máquina de Hacer Pájaros (1976)' y 'Películas (1977)'- con una fuerte vocación progresiva y sinfónica, fruto del gusto de Charly García hacia el rock compuesto en Inglaterra por bandas como Yes o Genesis. “Éramos los Yes del subdesarrollo", opinaría García alguna vez sobre la estética del grupo. (Fuente: http://www.charlygarcia.com.ar/2017/03/las-muchas-metamorfosis-de-charly.html)

A pesar de su separación prematura, el trabajo discográfico del conjunto marcó un hito en el desarrollo creativo del rock latinoamericano. En él se evidencia la genialidad compositiva e interpretativa de sus miembros, en especial de Charly García, el simpático bigote bicolor, quien compondría todos los temas del primer álbum.

Charly García en 1982

El disco se grabó entre julio y septiembre de 1976 en Buenos Aires en los Estudios ION, lanzado bajo la discográfica Talent Microfón. La ilustración de la tapa la realizó Juan Oreste Gatti, mientras que el dibujante y humorista Cristóbal Reinoso "Crist" realizó la cómica historieta de la portada cuyo protagonista defendería a la banda como un "pájaro progresivo".

La banda estuvo integrada por lo siguientes músicos:
-Oscar Moro: batería y accesorios
-José Luis Fernández: bajo, contrabajo acústico, guitarra acústica y voz
-Gustavo Bazterrica: guitarras eléctricas, acústicas y voz
-Carlos Cutaia: órgano, melotrón, piano y clave
-Charly García: piano, sintetizador, piano Fender Rhodes, clave, guitarra acústica y canto.

Créditos:
Ingenieros de sonido: Osvaldo Acedo y Alejandro Torres
Arte: Cristóbal Reinoso "Crist" (historieta), Uberto Sagramosso (foto interior), Juan Oreste Gratti (diseño gráfico y coloreado de foto).

Lista de canciones: (todas las obras compuestas por Charly García y arreglos de La Máquina de Hacer Pájaros)
1. Bubulina (incluida en el Adiós Sui Géneris III)
2. Como mata el viento norte (con Maria Rosa Yorio y Nito Mestre en coros)
3. Boletos, pases y abonos
4. No puedo verme más (con Héctor Dengis y Ana Quatraro en coros)
5. Rock
6. Por probar el vino y el agua salada
7. Ah, te vi entre las luces

Portada del disco
Portadas extraídas del blog: http://pandc.10z.com.ar
Digitalización del vinilo por 'Vultur Gryphus'.

martes, 11 de agosto de 2020

Velosa y Los Carrangueros - Marcando Calavera (1996)

Con casi 30 años de trayectoria y nueve trabajos discográficos, Velosa y Los Carrangueros se ratifica como uno de los grupos que más ha aportado al florecimiento de las músicas campesinas de la región andina en Colombia, interpretando con un estilo renovado e inconfundible ritmos como el merengue campesino, la rumba criolla, el torbellino, la guabina, el pasillo, el bambuco; entre otros.

'Marcando Calavera' es el cuarto álbum de Velosa y Los Carrangueros, una agrupación boyacense en cabeza del maestro Jorge Luis Velosa Ruiz, también conocido como 'El Carranguero mayor', cuyo compromiso creativo, lírico y social desde los años 70's lo convierten en uno de los personajes más destacados del ámbito cultural en la historia reciente del país.

Es considerado, junto a su grupo Los Carrangueros de Ráquira (1979-1982), como creador de la carranga, un género fruto de la reivindicación musical campesina del Altiplano cundiboyacense, ejecutado con tiple, tiple requinto, guitarra, guacharaca y en ocasiones la armónica. El nombre del género proviene de la práctica homónima que consiste en la comercialización de la carne de un animal doméstico, generalmente bovino, cuya muerte ha sido por enfermedad o causas naturales y no el sacrificio, como narrarían Los Carrangueros de Ráquira en su álbum 'Así es la vida' (1982), con la canción El Carranguero:


La carranga desarrolló de forma integral las posibilidades líricas, -desde el imaginario bucólico hasta los paisajes urbanos- trascendiendo el sentido monotemático que hasta entonces ponderaba en la música tradicional. De este modo, Jorge Velosa constituyó una voz en la que ha depositado el sentir de las comunidades vulnerables de Colombia a través de su extensa discografía.

Este disco en particular es un encuentro festivo con la muerte, al que Velosa se referiría de esta forma: "El concepto que estamos manejando, tanto en la carátula como en algunas de las letras de las canciones, es una alegoría a la muerte, pero no con tristeza, ni pesar, ni con esqueletos como siempre se suele hacer, sino con alegría, con gozo, con baile; rescatando a la muerte como parte de la vida" - Extraído de: https://www.eltiempo.com/archivo/documento/MAM-651363

Los músicos de la producción son:
-Jorge Velosa Ruiz: primera voz y guacharaca
-José F. Rivas Gómez: guitarra y coros
-Jorge González Virviescas: tiple requinto, segunda voz y coros
-Alberto Aljure Lis "Guafa": tiple, coros y luthier 

Créditos de la producción:
-Arreglos: Los Calavéricos
-Ingeniero de grabación y mezcla: Germán León
-Mezcla: Jorge González
-Edición y masterización: Gabriel Jaime Gutiérrez
-Ilustraciones: Dioscórides Pérez (Profesor Universidad Nacional de Colombia)
-Ecualización: David López
-Artes finales: Julio Rojas, Marta Rojas
-Corte: Mario Rincón

Lista de canciones:
1. La cojita del tesoro (rumba ligera)
2. Llevando del bulto (merengue carranguero)
3. A mi querida novia (rumba jalada)
4. Plegaria radiofónica (merengue arriao)
5. Que viene un angelito (rumba con cositas)
6. La pasilladora (merengue redovado)
7. Eso le pasa por calabaza (rumba-rap)
8. El cuchumbí (merengue cañanguero)
9. Qué pena con mi vecina (rumba-son)
10. Buenos días campesino (merengue carranguero)
11. La gallina mellicera (rumba ronda)
12. Margarita la bonita (merengue bambuqueado)

Portada del disco ilustrada por Dioscórides Pérez

lunes, 10 de agosto de 2020

Chalena Vásquez - Cantares del duende (2005) FLAC

'Cantares del duende' es el segundo trabajo discográfico de la musicóloga, investigadora y poetisa peruana Rosa Elena "Chalena" Vásquez Rodríguez (1950-2016), quien destacó por su labor incesante y prolífica en el ámbito musical, antropológico, histórico y literario, con más de 8 libros publicados como autora y coautora, 4 discos de música propia, además de varios artículos y ponencias.

La obra de Chalena está colmada de candidez, atravesando de forma natural por la emotividad profunda que comprende la mente de un niño. Es una experiencia casi sinestésica que recorre ritmos andinos y del pacífico, donde personajes como 'El Muki' -un temido duende de la mitología peruana que habita en el interior minas- baja de las alturas montañosas a danzar y llenar de color la Lima invernal. Según su creadora, 'Cantares del duende' es una defensa del derecho innato de los niños a la felicidad.

El disco fue lanzado de forma independiente, con la coproducción de la Universidad Católica del Perú. La dirección musical estuvo a cargo de Marino Martínez, a pesar que todas las obras (a excepción de la número 8) eran composiciones de Chalena Vásquez. Asimismo, el trabajo contó con la participación de músicos destacados (que pueden apreciarse en las carátulas), como Chano Díaz.

Lista de canciones:

1. La rayuela (wayno-sikuri)
Letra: José Luis Ayala / Música: Chalena Vásquez

2. Ardilla coqueta (landó)
Letra: Lucy Amado / Música: Chalena Vásquez

3. Caballito de totora (marinera norteña)
Letra y música de Chalena Vásquez

4. En la tierra sin fronteras (sanjuanito)
Letra y música de Chalena Vásquez, dedicado a Perú y Ecuador con un anhelo de paz en una tierra sin fronteras.

5. Flora (contrapunto de zapateo)
Letra: Marco Antonio Corcuera / Música: Chalena Vásquez

6. Cebada de mayo (toril)
Letra: Marco Antonio Corcuera Música: Chalena Vásquez

7. El chilalo (tondero)
Letra y música de Chalena Vásquez

8. ¿Quién será? (carnaval ayacuchano)
Letra: Chalena Vásquez / Música: Carnaval de Pacayccasa

9. Pititi (festejo)
Letra y música de Chalena Vásquez

10. Cerquita del corazón (wayno)
Letra y música de Chalena Vásquez

11. Pajarita (danza habanera)
Letra y música de Chalena Vásquez

12. El Muki (pasacalle y wayno)
Letra y música de Chalena Vásquez

13. La Candelaria (wayno pandillero)
Letra y música de Chalena Vásquez

14. Quimba, fa, malambo, ñeque (décimas con ritmo de tondero)
Letra: Humberto Rodríguez Pastor / Música: Chalena Vásquez

15. Día de fiesta (marinera norteña)
Letra y música de Chalena Vásquez

16. Las gaviotas (vals)
Letra y música de Chalena Vásquez

17. Canción de cuna
Letra y música de Chalena Vásquez

Portada del disco